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Le opere più importanti alla Galleria degli Uffizi, Firenze
IL Galleria degli Uffizi, uno dei musei più visitati al mondo, è stato costruito 1560 per ordine di Cosimo I de Medici, basato su un progetto di Giorgio Vasari.
La destinazione dell'insolito edificio, che prevede a "Tu" piano costituito da due corridoi laterali o "ali" poggiante su due lunghe logge e una breve facciata rivolta verso l'Arno, fu inizialmente ad uso civile e funzionale: da qui il nome “Gli Uffizi”, da sottolineare la funzione della nuova sede degli uffici dell' Magistrati, posta sotto il diretto controllo della gran Duca che abitava di fronte, in Palazzo della Signoria.
Quando il figlio di Cosimo, Francesco I, decise di allestire al secondo piano di uno dei corridoi una piccola stanza ottagonale ispirata alla sua ricerca alchemica legata ai quattro elementi naturali, il primo nucleo della collezione di opere d'arte fu presto trasferito qui della famiglia.
Attualmente la Galleria, che fa parte del circuito dei Musei Statali Fiorentini, ospita una raccolta di opere che spazia dall'antichità all'età contemporanea, con un focus sulla pittura fiorentina del 15 E 16 secoli, e che includono capolavori come Maestà di Giotto, IL Nascita di Venere E Primavera di Botticelli, IL Doni Tondo di Michelangelo, IL Adorazione di Leonardo Da Vinci e il Medusa di Caravaggio.
La galleria ospita una delle collezioni più importanti del mondo, tra cui opere come La Primavera di Botticelli' E 'Nascita di Venere'.
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Primavera di Botticelli
La “Primavera” è uno dei capolavori di Sandro Botticelli. Dipinto tra il 1477 e il 1482 in pieno Rinascimento italiano, è un'allegoria della primavera. L'opera, che misura 2,03 x 3,14 metri, fu commissionata da Lorenzo di Pierfrancesco de Medici.
Diverse sono le interpretazioni di quest'opera nella carriera di Botticeli, che si distingue per l'eleganza delle figure e l'impeccabile uso del colore. Ma la maggior parte concorda sul fatto che la figura centrale sia quella di Venere, che rappresenta l'armonia e l'equilibrio tra natura e valori spirituali (a sinistra del dipinto) e civiltà e valori materiali (a destra): un'opera affascinante.
I duchi di Urbino Federico da Montefeltro e Battista Sforza
Il dittico “Il ritratto dei duchi di Urbino” fu dipinto da Piero della Francesca tra il 1465 e il 1472 ed è una delle opere più importanti del Rinascimento italiano.
Ritrae di profilo i duchi e coniugi Federigo da Montefeltro e Battista Sforza, come era consuetudine in epoca classica, anche se la scelta di questo scatto era più che altro un obbligo perché Federigo da Montefeltro perse l'occhio destro in un torneo. Sullo sfondo dei dipinti c'è un paesaggio ampio e profondo, che riflette il potere della corte. Una delle curiosità di quest'opera è che è dipinta anche sul retro.
La Nascita di Venere di Botticelli
Dipinta tra il 1482 e il 1485, “La Nascita di Venere” è un'altra delle grandi opere di Botticelli. Si distingue per le sue grandi dimensioni, 278,5 cm per 172,5 cm, ed è uno dei primi esempi di pittura su tela. È uno dei primi esempi di pittura su tela della Toscana. Si caratterizza per la tecnica e la qualità dei materiali utilizzati, tra i quali spicca la polvere di alabastro.
Quest'opera ha diversi significati e raffigura una Venere nuda in una conchiglia in riva al mare al centro del dipinto come allegoria della nascita dell'amore, oltre che della bellezza spirituale. Alla sua sinistra il vento soffia fiori e alla sua destra un servo la copre con un panno.
Sacra famiglia, detta “Tondo Doni”
Realizzato da Michelangelo dopo il suo primo soggiorno romano, il Tondo Doni o Sacra Famiglia risale allo stesso periodo del David, tra il 1506 e il 1508, ed è considerato una delle grandi opere dell'arte italiana del Cinquecento, nonché uno dei i pochi dipinti dell'artista accanto agli affreschi della Cappella Sistina. Fu commissionato dal banchiere Agnolo Doni e misurava 120 cm per 120 cm.
L'opera raffigura Maria, Giuseppe e il Bambino in una straordinaria cornice lignea scolpita dallo stesso Michelangelo, con sullo sfondo una serie di figure nude. È un dipinto che ha segnato una svolta nella storia. Ha gettato le basi per lo stile manierista che i grandi artisti avrebbero ampiamente utilizzato e sostenuto posture innaturali che conferivano all'opera un movimento caratteristico. È proprio questa strana posizione che si nota nella figura di Maria.
Madonna col Bambino in trono, angeli e santi (Maestà di Ognissanti)
Giotto rivoluzionò la storia della pittura e il modo di rappresentare gli uomini, essendo uno dei maggiori artisti del Rinascimento. La Maestà di Ognissanti” è una grande pala d'altare, 204 cm per 325 cm, che dipinse per la chiesa di Ognissanti.
Lo dipinse per la chiesa di Ognissanti a Firenze intorno al 1310. Maria è raffigurata seduta in trono con in braccio il bambino e gli angeli in primo piano. Lo spazio è molto ben definito e le pieghe degli abiti definiscono le figure della scena.
Madonna col Bambino e San Giovannino detta “Madonna del Cardellino”
La Vergine del cardellino è una delle opere chiave di Raffaello in cui si possono notare i tratti che caratterizzano la sua pittura: i volti gentili delle figure, il magnifico uso del colore, l'intimità dei personaggi e la rappresentazione naturalistica del paesaggio. Il pittore fu anche fortemente influenzato da Leonardo da Vinci, che adottò alcune caratteristiche della sua pittura, come la luce soffusa, il dialogo tra le figure e la disposizione piramidale delle figure.
Quest'opera, che misura 107 cm per 77 cm, è stata gravemente danneggiata dal XVI secolo. Il dipinto, gravemente danneggiato fin dal XVI secolo, è stato più volte restaurato, ma solo con l'ultimo restauro del 2008 ha raggiunto il suo pieno splendore.
Bacco” di Caravaggio
Caravaggio è stato un punto di svolta nella storia dell'arte. Colori caldi, realismo e rappresentazione di figure umili caratterizzano la sua pittura.
Dipinto alla fine del XVI secolo, il “Bacco”, tavola ad olio di 98 cm per 84 cm, fu un dono del Cardinale del Monte al Granduca di Toscana, Ferdinando I. In questo dipinto, Bacco è raffigurato come un giovane umile di un paese che riflette l'umanità. Nella mano sinistra tiene un calice da vino che si distingue per la sua trasparenza, e ci sono altri oggetti comuni, come un cesto di frutta.
Madonna col Bambino e due angeli
Dipinta intorno al 1465 da Filippo Lippi, la “Madonna col Bambino e due angeli” è una delle opere più apprezzate del Rinascimento italiano e nasconde una storia curiosa. Lippi era un frate carmelitano che si innamorò della suora Lucrezia Buti. Ebbero una relazione segreta fino a quando abbandonarono la vita religiosa ed ebbero figli, tra cui Filippino, famoso pittore, amico di Botticelli.
In 'La Vergine col Bambino e due angeli', 100 cm. per 71 cm. La Vergine Maria è raffigurata in un'elegante acconciatura decorata con un velo e perle. Ella è di profilo e prega davanti al bambino, sorretto da due angeli. Dietro di loro c'è un paesaggio ispirato ai dipinti in stile fiammingo. La particolarità di quest'opera è che molti interpretano il volto della Vergine come un ritratto di Lucrezia.
Pala di Santa Lucia de Magnoli' di Domenico Veneziano
Quest'opera di Domenico Veneziano fu eseguita tra il 1445 e il 1447 e raffigurava al centro la Madonna col Bambino. Accanto a lei San Francesco e San Giovanni Battista a sinistra e San Zenobio a destra. La pala d'altare è la più antica senza fondo dorato, di forma rettangolare e dai colori vivaci. Si distingue anche per l'utilizzo come elemento fondamentale di una luce intensa, che entra dal bordo superiore destro.
Venere d'Urbino
La Venere di Urbino” è un'opera di Tiziano che risale al 1538 e fu commissionata dal duca di Urbino, Guidobaldo II della Rovere, come dono per la moglie. Identificato da molti come un'allegoria del matrimonio, si distingue per la sua sensualità, anche se presenta altre caratteristiche significative come l'erotismo, la maternità e la fedeltà.
Il dipinto, che misura 1,19 m per 1,65 m, raffigura Venere, la dea del matrimonio. Venere, la dea dell'amore, è raffigurata in modo sensuale ed erotico, attirando lo spettatore. Ai suoi piedi c'è un cane in segno di fedeltà al matrimonio. Sullo sfondo, un servitore osserva una ragazza che fruga in un cassetto come simbolo di maternità. Si distingue per l'ottimo uso del colore e dei contrasti.
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Leonardo Da Vinci, Annunciazione
Nel rigoglioso giardino di un palazzo rinascimentale, l'Arcangelo Gabriele saluta la Vergine offrendole un giglio, simbolo di purezza: siamo di fronte all'Annunciazione di Leonardo da Vinci (1472 circa), una delle primissime commissioni del Maestro risalente al periodo in cui era ancora nella bottega del Verrocchio.
L'Angelo è appena atterrato; le sue ali sono ancora spiegate attraverso la sua veste e cadono pesantemente sull'erba; non ha ali di pavone come vuole la tradizione ma rapaci. Di fronte alla Vergine, dietro un raffinato altare marmoreo su cui è posto un leggio, intenta a leggere le Sacre Scritture, una luce crepuscolare illumina Maria di lei, che alza il braccio sinistro in segno di accettazione del proprio destino.
Curiosa è la prospettiva del braccio destro della Vergine, che appare troppo lungo; una probabile soluzione utilizzata da Leonardo per rimediare alla visione prospettica dell'opera.
Giuditta che decapita Oloferne” di Artemisia Gentileschi
Prima donna membro dell'Accademia di Arti del Disegno di Firenze, Artemisia Gentileschi fu una rinomata e progressista pittrice italiana del XVII secolo. La rappresentazione di donne forti caratterizza i suoi dipinti. In "Judith Deheading Holofernes", l'eroina biblica è raffigurata mentre decapita il suo nemico, il leader assiro Oloferne.
Caravaggio, Medusa
Su uno scudo da parata, uno sguardo di terrore accompagnato da un grido agghiacciante circonda una massa di serpenti aggrovigliati che ornano la testa di una donna: è lo Scudo con la testa di Medusa di Caravaggio (1595-1598), un dipinto a olio, montato su scudo, commissionato dal cardinale del Monte per Ferdinando I de' Medici. Il Cardinale volle donare a Ferdinando un'opera straordinaria per arricchire la sua collezione di armi e, contemporaneamente, far conoscere a Firenze le straordinarie doti del suo protetto, Caravaggio.
Il tema scelto è simbolico, la Gorgone, allegoria della prudenza e della saggezza.
Lo Scudo si presenta come un condensato delle capacità pittoriche di Michelangelo Merisi da Caravaggio, capace di annullare la bombatura del supporto; la luce illumina la testa di Medusa appena mozzata; il suo viso è colto nel momento del suo urlo raccapricciante, e i suoi occhi sono ancora vividi e spalancati dal terrore. I suoi serpenti si muovono terribilmente nell'intreccio dei suoi capelli; dal collo mozzato fuoriesce uno schizzo di sangue, che racconta in un'immagine l'atto compiuto da Perseo.
Simone Martini e Lippo Memmi, Annunciazione tra i santi Ansano e Massima
Una frase in rilievo su fondo oro annuncia alla Vergine il mistero dell'incarnazione di Gesù: l'Annunciazione tra i santi Ansano e Massima di Simone Martini e Lippo Memmi (1333). Trittico ligneo dipinto a tempera, capolavoro della scuola senese, realizzato per un altare laterale del Duomo di Siena.
AVE GRATIA PLENA DOMINUS TECUM, dice l'Arcangelo Gabriele apparendo improvvisamente a Maria; la giovane donna, seduta su un alto seggio riccamente intarsiato, è turbata dalla sua visione sacra e si ritira pudicamente avvolgendosi nel suo mantello. In alto, a coronare la scena, lo Spirito Santo in forma di colomba, attorniato da una schiera di angeli.
L'Arcangelo Gabriele è appena atterrato; la sua veste, ornata da un raffinato arabesco, è ancora in movimento. Lettere dorate emergono dalla bocca dell'Angelo in un antesignano del fumetto moderno che corre verso la Vergine, annunciando il lieto evento.
L'Adorazione dei Magi” di Gentile da Fabriano
Conosciuta anche con il titolo di Pala Strozzi, questa grande pala d'altare con cornice lignea intagliata risale al 1423 ed è opera di Gentile da Fabriano. Commissionato da Palla Strozzi, è uno dei dipinti dello stile gotico internazionale, caratterizzato da forme sofisticate, abiti raffinati e pose auliche. Raffigura il corteo dei Magi e alle loro spalle il ritratto di Palla Strozzi.
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